E.E.M. Nº 13
CULTURAS Y ESTÉTICAS CONTEMPORÁNEAS – 3º A
PROF. MARÍA FERNANDA CÓRDOBA
TRABAJO PRÁCTICO Nº 8: ESTÉTICA
(Grupal: máximo tres integrantes)
La Estética
El término estética (del griego aisthesis: “sensibilidad”) fue introducido por el filósofo alemán Alexander Baumgarten (1714 -1762) para nombrar las investigaciones que se realizaban en torno al conocimiento del mundo sensible. En un sentido un poco más actual, el término estética designa “toda reflexión filosófica sobre el arte”; de esta manera, el objeto y el método de la estética dependen del modo como se define el arte.
En el siglo XVIII, se realizaron los primeros estudios sistemáticos que intentaron proponer normas y reglas para construir un método de análisis de la sensibilidad. La estética, entonces, surgió de los diálogos y de los debates que mantuvieron los intelectuales durante ese siglo. Gracias a ese proceso, hoy es posible acceder a críticas que, por ejemplo, aparecen en los periódicos y en las revistas, a tratados de estética, a ensayos, a historias del arte y a otros escritos que basan su trabajo en la disciplina estética.
El corpus platónico
El filósofo griego Platón (428 – 347 a.C.) abordó los problemas estéticos y reflexionó sobre las bellas artes: las artes visuales (la pintura, la escultura, la arquitectura), las artes literarias (la épica, la lírica, la poesía dramática) y las artes con intervención musical (la danza y el teatro). Sin embargo, Platón no asignó un nombre especial a estas disciplinas sino que, según él, ellas entraban en un concepto más genérico: la destreza. Esta abarcaba cualquier clase de habilidad manual o de otro tipo como, por ejemplo, la capacidad de trabajar la madera o la de entonar un canto festivo.
Las ideas de Platón sobre la estética se encuentran, principalmente, en dos de sus obras: Banquete y República. Este filósofo introdujo, en relación con la estética, la idea de la belleza. Para Platón, lo bello se consigue mediante el conocimiento filosófico, ya que el ideal de belleza no existe en el mundo real. Por eso, en su texto Banquete, sostiene que el hombre que busca lo bello debe tener el conocimiento de la idea de lo bello, y eso lo va a ayudar a determinar con verdad cuándo una cosa es bella y cuándo no lo es.
La postura aristotélica
El filósofo griego Aristóteles (384-322 a.C.), discípulo de Platón, planteó una teoría estética a partir de su análisis descriptivo sobre las formas literarias presentes en la Grecia clásica durante el siglo V a.C., de gran florecimiento para las artes y para las ciencias. Su obra llamada Poética presenta sus estudios en los que describe y caracteriza manifestaciones artísticas, como la comedia, la epopeya y la tragedia. A partir de sus reflexiones, Aristóteles sostiene, a diferencia de Platón, que no existe posibilidad de determinar una idea de lo bello.
La estética de Kant
El filósofo alemán Emmanuel Kant (1724-1804) es considerado el pensador más influyente de la era moderna. Sus obras más importantes son: Crítica de la razón pura (1781), Crítica de la razón práctica (1788) y Crítica del juicio (1790), en las que plantea sus concepciones sobre la estética.
Kant no consideró la estética en el sentido de la belleza o como filosofía del arte, sino que le dio un significado relacionado con la sensación y la percepción. Para él, la estética es el estudio de todos los principios de la sensibilidad a priori. La sensibilidad es la capacidad de recibir representaciones mediante el modo en que los objetos afectan a las personas. El conocimiento a priori, por su parte, es aquel que es independiente de la experiencia y de la percepción, y se opone al conocimiento empírico, que depende de la percepción. Por ejemplo, sobre la base del conocimiento empírico, puede decirse “la casa es negra”; pero si el conocimiento es a priori, sólo pueden enunciarse afirmaciones como “dos más dos son cuatro”.
Kant consideraba los objetos del mundo material como incognoscibles en esencia; desde el punto de vista de la razón, sirven tan sólo como materia pura a partir de la cual se nutren las sensaciones. Los objetos, en sí mismos, no tienen existencia; y el espacio y el tiempo pertenecen a la realidad sólo como parte de la mente, como intuiciones –modos por medio de los cuales el conocimiento se refiere inmediatamente a los objetos- con las que las percepciones son medidas y valoradas.
Entonces, a partir de esta visión, no hay posibilidad de establecer de manera objetiva una determinación única acerca de lo bello.
La autonomía de una disciplina
La estética se redefinió a lo largo de la historia, pero ganó autonomía como disciplina durante el siglo XIX. En un comienzo, se intentó diferenciar la estética como disciplina filosófica de las ciencias del arte, y se la definió en relación a conceptos como lo bello, el placer, lo sensible, es decir, a aspectos construidos por el sujeto.
La relación de la estética con otras áreas –como la psicología, la sociología- se produjo durante la segunda mitad del siglo XX, cuando aquella comienza a tener carácter autónomo y se orienta hacia el estudio de lo artístico. Durante mucho tiempo, lo artístico estuvo unido a la belleza natural y operaba de acuerdo con los ideales y con los sentimientos de belleza. Actualmente, las artes tradicionales (pintura, escultura, dibujo) recurren también a otras categorías y constituyen sistemas sociales de producción, distribución y consumo culturales.
Así, lo artístico se presenta con variantes estéticas tanto en la naturaleza como en los lenguajes sociales; por este motivo, durante el siglo XX, la estética se ocupó de estilos, tendencias, movimientos, obras de arte, del cine, del video y de la música.
martes, 11 de agosto de 2009
jueves, 9 de julio de 2009
TERCER AÑO / A / CULTURAS Y ESTÉTICAS CONTEMPORANEAS
CULTURAS Y ESTÉTICAS CONTEMPORÁNEAS – 3º A
PROF. MARÍA FERNANDA CÓRDOBA
Dado que hemos perdido un par de clases antes de este receso forzado, y a causa del mismo también perderemos algunas más, esta será la alternativa que usaremos para trabajar.
Antes que nada les recuerdo que el 90 por ciento de los alumnos NO ENTREGÓ el escrito (reflexión, síntesis, descripción, lo que ustedes quieran) sobre la película “Huellas en el viento”. El mismo lleva una nota de concepto que entra en la nota del 2º trimestre.
Material para realizar el T.P. Nº 6: Concepto de Arte (dado en la última clase que tuvimos, por favor, los que faltaron comuníquense con sus compañeros para que les pasen las preguntas). Este trabajo deberá entregarse la primera clase después de las vacaciones (jueves 6 de agosto).
Hacia una definición de ARTE
En la actualidad, se considera que el arte es un lenguaje, un sistema de comunicación elaborado por seres humanos con el objeto de transmitir ideas y sentimientos. Pero, a diferencia de otros lenguajes, el arte está condicionado por el deseo estético, es decir, por el deseo de alcanzar la belleza.
El ideal de belleza se modifica en las distintas épocas y culturas. Por este motivo, las artes cambian con el tiempo –de acuerdo con el acontecer de los hechos políticos, económicos y sociales- y según el lugar y la cultura en que se desarrollan. Sin embargo, en la actualidad, el fenómeno de la globalización (en términos económicos, políticos, tecnológicos y culturales) y el surgimiento de la sociedad de masas han homologado las artes y, en consecuencia, pueden encontrarse poéticas similares en sitios distantes.
Las categorías estéticas, que definen el gusto de una época, también se han modificado con el tiempo. Esto explica por qué muchas de las obras que hoy resultan agradables y que son consideradas objetos de arte no fueron aceptadas como artísticas por sus contemporáneos. Por ejemplo, las obras del escritor francés Émile Zola (1840 – 1902) fueron rechazadas por el público; no obstante, en la actualidad, Zola es considerado uno de los maestros de la literatura del siglo XIX.
El circuito de producción
En el proceso de producción de una obra artística, intervienen varios elementos. En primer lugar, el artista, quien se expresa mediante su obra; en segundo lugar, la obra en sí misma, que es el producto; y por último, la audiencia, el público, que es quien completa la obra en el momento de apreciarla y de interpretarla.
A partir de lo anterior, se puede decir que existen dos etapas clave en la elaboración de una obra: la ejecución que realiza el creador y la percepción por parte del público. Este circuito se produce en un contexto geográfico, social y político determinado que influye tanto en el creador como en el público. Por ejemplo, durante la Edad Media (siglos V al XV) se elaboraron los poemas épicos o cantares de gesta que, basados en acontecimientos históricos, narraban la historia de los héroes nacionales, quienes representaban los ideales del pueblo. Esos poemas épicos o cantares de gesta servían no sólo como entretenimiento sino, además, como forma de establecer modelos que la comunidad intentaba alcanzar, de modo que también contribuían a afirmar la identidad cultural.
En el arte, se desarrolla un proceso en el que participan lo sensorial, lo emocional, lo afectivo y lo intelectual, ya que, en todo quehacer artístico, se comprometen la percepción, el pensamiento, y la acción corporal. Entre todos estos factores, desempeña un papel muy importante la imaginación creadora.
El artista y el espectador
Para el artista ruso Wassily Kandinsky (1866 – 1944), la verdadera obra de arte nace del artista en forma misteriosa, casi mística. Cuando el artista se coloca frente a una tela, un papel o un bloque de mármol, se inicia un diálogo muy especial: de un lado el soporte que espera una respuesta, un acto, y del otro, está el artista que responderá elaborando una obra.
El artista procede según una necesidad interior, que no se agota en una sola creación, de allí que él siga produciendo a lo largo de su vida.
Separada del artista, la obra adquiere vida propia, una independencia con respecto al ser que le había dado vida. La forma que contiene es la idea, que se libera del creador que la produjo y va a ser completada por el espectador.
Las posibilidades de lectura de una obra son muchas, y la comprensión e interpretación que se le otorgan están influidas por las ideas en una sociedad, en un tiempo determinado y, también, por las propias creencias de quien percibe esa obra.
Para el profesor de Filosofía Hans Gadamer (nacido en Alemania en 1900) la percepción de la obra de arte es un encuentro del espectador consigo mismo. Argumenta, además, que existe una “familiaridad enigmática” con las obras de arte del pasado, porque existe cierta conexión, aunque las obras sean de épocas históricas lejanas al espectador. Esto se debe a que el arte se encuentra en un presente intemporal y permanece en su decir. El lenguaje del arte vuelve presente su propia actualidad, por eso no se agotan sus significados ni sus sentidos. A diferencia de las leyes de la Antigua Atenas o de los códigos militares romanos –que son documentos históricos cuyo sentido está agotado para la actualidad-, una obra de arte siempre resulta una experiencia novedosa.
Les recuerdo que una parte de este trabajo debe hacerse a partir de lo que ustedes investiguen (sea de internet, de un libro o una enciclopedia) y además de una opinión de cualquier persona –vecino, amigo, pariente, etc-.
SUGERENCIA: se pueden enriquecer los conceptos viendo películas sobre vidas de artistas, por ejemplo:
-Pollock (vida del artista norteamericano Jackson Pollock)
-Basquiat (vida del artista jamaiquino Jean Michel Basquiat)
-Frida (vida de la artista mexicana Frida Kahlo)
-Amadeus (Vida de W. A. Mozart)
CULTURAS Y ESTÉTICAS CONTEMPORÁNEAS – 3º A
PROF. MARÍA FERNANDA CÓRDOBA
TRABAJO PRÁCTICO Nº 7: LENGUAJES ARTÍSTICOS
(Grupal: máximo tres integrantes)
Las expresiones artísticas –como por ejemplo la arquitectura, la pintura, el grabado, la música, la escultura, el dibujo, la fotografía, el cine, el teatro , la literatura y la danza- pueden caracterizarse como lenguajes artísticos, en tanto transmiten significados y fenómenos comunicativos. Estos lenguajes, que se valen de códigos renovados constantemente, constituyen un sistema específico distinto del lenguaje verbal cotidiano. Cada uno tiene procedimientos, técnicas, métodos y materiales que le son propios y que le otorgan diferentes formas de expresión.
Literatura: es un arte cuyas manifestaciones son creaciones artísticas –denominadas obras literarias- que se expresan mediante palabras, tanto en forma escrita como oral. El término literatura también se aplica al conjunto de obras escritas de un país, por ejemplo, literatura griega; de una época, como literatura medieval; de un estilo o movimiento, como literatura romántica.
Música: es una organización de sonidos durante un lapso determinado de tiempo. La música está constituida por relaciones entre sonidos cuyas combinaciones permiten la creación de un discurso musical. La música desempeña un papel importante en todas las sociedades y existe en una gran cantidad de estilos, característicos de diferentes regiones geográficas o de distintas épocas históricas.
Danza: es una forma de comunicación o de expresión caracterizada por movimientos corporales rítmicos, acompañados generalmente de música. La danza incluye un vocabulario preestablecido de movimientos, pero también, pueden utilizarse gestos simbólicos o el mimo.
Cine: es el arte de representar, sobre una pantalla, una sucesión de fotogramas inmóviles, que, a cierta velocidad, dan sensación de movimiento. Estos fotogramas se organizan según un discurso narrativo.
Teatro: es el arte de componer obras dramáticas –del griego drama: “acción”- y de representarlas. El teatro se diferencia de otras artes performativas por la pluralidad de signos que lo componen. Ellos son: lingüísticos (el texto y los diálogos), visuales (escenografía, vestuario, utilería, iluminación), cinéticos (movimientos y gestos de los actores), sonoros (voces, música, efectos). Estos signos nunca son comunicados directamente, sino mediante un conjunto de indicios “artificiales”. Son artificiales porque representan algo que no son en la realidad.
Fotografía: el principio de este arte se basa en el efecto que la luz produce sobre un soporte de material sensible a ella. Ese material –placa o película- contiene una emulsión particular de compuestos de plata que, al ser expuesta a la luz, sufre transformaciones químicas. La operación se realiza dentro de una cámara oscura en la que entra la luz a través de una lente. Una vez impresionado, el material sensible es sometido a operaciones de revelado y fijado para obtener un negativo que, luego, se positiva sobre papel.
Las artes plásticas
Los términos artes plásticas caracterizaron las bellas artes, en la cultura occidental, desde el Renacimiento (siglos XV y XVI) hasta principios del siglo XX. La denominación artes plásticas surgió en el siglo XVIII para designar el dibujo, la pintura, el grabado, la escultura y la arquitectura, disciplinas todas que se desarrollan en el espacio –a diferencia de la música, la literatura, el teatro y la danza, que se ejecutan en el tiempo-.
Dibujo: se asocia a la pintura como un medio para proyectar el diseño de una obra pictórica, pero también, como un medio independiente capaz de revelar el proceso creativo del artista. Su característica primordial es el trazo o línea y se diferencia de las demás técnicas artísticas por el soporte empleado, que puede ser cualquier superficie plana; por la técnica –lápiz, pluma o carbonilla-; por la relativa brevedad en el tiempo de ejecución y por sus reducidas dimensiones.
Pintura: es el lenguaje artístico que se desarrolla sobre diferentes superficies para crear una composición, ya sea figurativa o abstracta. Sus elementos plásticos son: la forma, la línea, el color, el espacio y la composición. Los materiales empleados pueden ser: el óleo, el temple, el acrílico, la témpera, la acuarela, el esmalte sintético o el pastel, que junto con los soportes y con los instrumentos utilizados, determinan diversas técnicas (Ej: óleo sobre tela, o acuarela sobre papel).
Escultura: es el arte de crear formas figurativas o abstractas en tridimensión. Pueden realizarse esculturas con casi todos los materiales orgánicos o inorgánicos. Los métodos que se emplean son: la talla (en madera o en piedra), el modelado (en arcilla o en barro) y el vaciado (en metal).
Grabado: a diferencia de la pintura o del dibujo, el grabado es una técnica en la que el artista no coloca el material sobre el soporte directamente, sino que se vale de un material intermedio llamado matriz para realizar producciones en serie. Comprende tres procedimientos fundamentales según los materiales utilizados para grabar la matriz. Esos métodos son: tallado en relieve (sobre madera o linóleo), en hueco (metal en el que actúa un ácido que produce surcos) y en plano (matriz de piedra).
Arquitectura: es una disciplina cuyo objetivo es la construcción de edificios perdurables. Sigue determinadas reglas, con el objeto de crear obras adecuadas a su propósito, agradables a la vista y capaces de provocar un placer estético. Es decir, la arquitectura no depende sólo del gusto o de los cánones estéticos, sino que considera una serie de cuestiones prácticas, estrechamente relacionadas entre sí –como la elección de los materiales y su puesta en obra, la disposición estructural de las cargas y el precepto fundamental del uso al que está destinado el edificio-.
Consignas:
1. ¿Qué diferencia al teatro de otras expresiones artísticas?
2. Señalar las diferencias entre las artes plásticas y la música, la literatura, el teatro y la danza.
3. ¿Qué aspectos fundamentales caracterizan a las artes que trabajan el espacio tridimensional?
4. Elegir un artista de cualquiera de los lenguajes artísticos descriptos en el texto (cine, teatro, música, dibujo, etc) y hacer:
a) Una breve descripción de su vida
b) Una breve descripción de su obra (nombrar sus obras más importantes y los datos que de ellas consideren más relevantes, como dónde se interpretaron o editaron o expusieron, cómo se inspiró el artista a la hora de crearlas, etc)
c) Fundamentar la elección.
PROF. MARÍA FERNANDA CÓRDOBA
Dado que hemos perdido un par de clases antes de este receso forzado, y a causa del mismo también perderemos algunas más, esta será la alternativa que usaremos para trabajar.
Antes que nada les recuerdo que el 90 por ciento de los alumnos NO ENTREGÓ el escrito (reflexión, síntesis, descripción, lo que ustedes quieran) sobre la película “Huellas en el viento”. El mismo lleva una nota de concepto que entra en la nota del 2º trimestre.
Material para realizar el T.P. Nº 6: Concepto de Arte (dado en la última clase que tuvimos, por favor, los que faltaron comuníquense con sus compañeros para que les pasen las preguntas). Este trabajo deberá entregarse la primera clase después de las vacaciones (jueves 6 de agosto).
Hacia una definición de ARTE
En la actualidad, se considera que el arte es un lenguaje, un sistema de comunicación elaborado por seres humanos con el objeto de transmitir ideas y sentimientos. Pero, a diferencia de otros lenguajes, el arte está condicionado por el deseo estético, es decir, por el deseo de alcanzar la belleza.
El ideal de belleza se modifica en las distintas épocas y culturas. Por este motivo, las artes cambian con el tiempo –de acuerdo con el acontecer de los hechos políticos, económicos y sociales- y según el lugar y la cultura en que se desarrollan. Sin embargo, en la actualidad, el fenómeno de la globalización (en términos económicos, políticos, tecnológicos y culturales) y el surgimiento de la sociedad de masas han homologado las artes y, en consecuencia, pueden encontrarse poéticas similares en sitios distantes.
Las categorías estéticas, que definen el gusto de una época, también se han modificado con el tiempo. Esto explica por qué muchas de las obras que hoy resultan agradables y que son consideradas objetos de arte no fueron aceptadas como artísticas por sus contemporáneos. Por ejemplo, las obras del escritor francés Émile Zola (1840 – 1902) fueron rechazadas por el público; no obstante, en la actualidad, Zola es considerado uno de los maestros de la literatura del siglo XIX.
El circuito de producción
En el proceso de producción de una obra artística, intervienen varios elementos. En primer lugar, el artista, quien se expresa mediante su obra; en segundo lugar, la obra en sí misma, que es el producto; y por último, la audiencia, el público, que es quien completa la obra en el momento de apreciarla y de interpretarla.
A partir de lo anterior, se puede decir que existen dos etapas clave en la elaboración de una obra: la ejecución que realiza el creador y la percepción por parte del público. Este circuito se produce en un contexto geográfico, social y político determinado que influye tanto en el creador como en el público. Por ejemplo, durante la Edad Media (siglos V al XV) se elaboraron los poemas épicos o cantares de gesta que, basados en acontecimientos históricos, narraban la historia de los héroes nacionales, quienes representaban los ideales del pueblo. Esos poemas épicos o cantares de gesta servían no sólo como entretenimiento sino, además, como forma de establecer modelos que la comunidad intentaba alcanzar, de modo que también contribuían a afirmar la identidad cultural.
En el arte, se desarrolla un proceso en el que participan lo sensorial, lo emocional, lo afectivo y lo intelectual, ya que, en todo quehacer artístico, se comprometen la percepción, el pensamiento, y la acción corporal. Entre todos estos factores, desempeña un papel muy importante la imaginación creadora.
El artista y el espectador
Para el artista ruso Wassily Kandinsky (1866 – 1944), la verdadera obra de arte nace del artista en forma misteriosa, casi mística. Cuando el artista se coloca frente a una tela, un papel o un bloque de mármol, se inicia un diálogo muy especial: de un lado el soporte que espera una respuesta, un acto, y del otro, está el artista que responderá elaborando una obra.
El artista procede según una necesidad interior, que no se agota en una sola creación, de allí que él siga produciendo a lo largo de su vida.
Separada del artista, la obra adquiere vida propia, una independencia con respecto al ser que le había dado vida. La forma que contiene es la idea, que se libera del creador que la produjo y va a ser completada por el espectador.
Las posibilidades de lectura de una obra son muchas, y la comprensión e interpretación que se le otorgan están influidas por las ideas en una sociedad, en un tiempo determinado y, también, por las propias creencias de quien percibe esa obra.
Para el profesor de Filosofía Hans Gadamer (nacido en Alemania en 1900) la percepción de la obra de arte es un encuentro del espectador consigo mismo. Argumenta, además, que existe una “familiaridad enigmática” con las obras de arte del pasado, porque existe cierta conexión, aunque las obras sean de épocas históricas lejanas al espectador. Esto se debe a que el arte se encuentra en un presente intemporal y permanece en su decir. El lenguaje del arte vuelve presente su propia actualidad, por eso no se agotan sus significados ni sus sentidos. A diferencia de las leyes de la Antigua Atenas o de los códigos militares romanos –que son documentos históricos cuyo sentido está agotado para la actualidad-, una obra de arte siempre resulta una experiencia novedosa.
Les recuerdo que una parte de este trabajo debe hacerse a partir de lo que ustedes investiguen (sea de internet, de un libro o una enciclopedia) y además de una opinión de cualquier persona –vecino, amigo, pariente, etc-.
SUGERENCIA: se pueden enriquecer los conceptos viendo películas sobre vidas de artistas, por ejemplo:
-Pollock (vida del artista norteamericano Jackson Pollock)
-Basquiat (vida del artista jamaiquino Jean Michel Basquiat)
-Frida (vida de la artista mexicana Frida Kahlo)
-Amadeus (Vida de W. A. Mozart)
CULTURAS Y ESTÉTICAS CONTEMPORÁNEAS – 3º A
PROF. MARÍA FERNANDA CÓRDOBA
TRABAJO PRÁCTICO Nº 7: LENGUAJES ARTÍSTICOS
(Grupal: máximo tres integrantes)
Las expresiones artísticas –como por ejemplo la arquitectura, la pintura, el grabado, la música, la escultura, el dibujo, la fotografía, el cine, el teatro , la literatura y la danza- pueden caracterizarse como lenguajes artísticos, en tanto transmiten significados y fenómenos comunicativos. Estos lenguajes, que se valen de códigos renovados constantemente, constituyen un sistema específico distinto del lenguaje verbal cotidiano. Cada uno tiene procedimientos, técnicas, métodos y materiales que le son propios y que le otorgan diferentes formas de expresión.
Literatura: es un arte cuyas manifestaciones son creaciones artísticas –denominadas obras literarias- que se expresan mediante palabras, tanto en forma escrita como oral. El término literatura también se aplica al conjunto de obras escritas de un país, por ejemplo, literatura griega; de una época, como literatura medieval; de un estilo o movimiento, como literatura romántica.
Música: es una organización de sonidos durante un lapso determinado de tiempo. La música está constituida por relaciones entre sonidos cuyas combinaciones permiten la creación de un discurso musical. La música desempeña un papel importante en todas las sociedades y existe en una gran cantidad de estilos, característicos de diferentes regiones geográficas o de distintas épocas históricas.
Danza: es una forma de comunicación o de expresión caracterizada por movimientos corporales rítmicos, acompañados generalmente de música. La danza incluye un vocabulario preestablecido de movimientos, pero también, pueden utilizarse gestos simbólicos o el mimo.
Cine: es el arte de representar, sobre una pantalla, una sucesión de fotogramas inmóviles, que, a cierta velocidad, dan sensación de movimiento. Estos fotogramas se organizan según un discurso narrativo.
Teatro: es el arte de componer obras dramáticas –del griego drama: “acción”- y de representarlas. El teatro se diferencia de otras artes performativas por la pluralidad de signos que lo componen. Ellos son: lingüísticos (el texto y los diálogos), visuales (escenografía, vestuario, utilería, iluminación), cinéticos (movimientos y gestos de los actores), sonoros (voces, música, efectos). Estos signos nunca son comunicados directamente, sino mediante un conjunto de indicios “artificiales”. Son artificiales porque representan algo que no son en la realidad.
Fotografía: el principio de este arte se basa en el efecto que la luz produce sobre un soporte de material sensible a ella. Ese material –placa o película- contiene una emulsión particular de compuestos de plata que, al ser expuesta a la luz, sufre transformaciones químicas. La operación se realiza dentro de una cámara oscura en la que entra la luz a través de una lente. Una vez impresionado, el material sensible es sometido a operaciones de revelado y fijado para obtener un negativo que, luego, se positiva sobre papel.
Las artes plásticas
Los términos artes plásticas caracterizaron las bellas artes, en la cultura occidental, desde el Renacimiento (siglos XV y XVI) hasta principios del siglo XX. La denominación artes plásticas surgió en el siglo XVIII para designar el dibujo, la pintura, el grabado, la escultura y la arquitectura, disciplinas todas que se desarrollan en el espacio –a diferencia de la música, la literatura, el teatro y la danza, que se ejecutan en el tiempo-.
Dibujo: se asocia a la pintura como un medio para proyectar el diseño de una obra pictórica, pero también, como un medio independiente capaz de revelar el proceso creativo del artista. Su característica primordial es el trazo o línea y se diferencia de las demás técnicas artísticas por el soporte empleado, que puede ser cualquier superficie plana; por la técnica –lápiz, pluma o carbonilla-; por la relativa brevedad en el tiempo de ejecución y por sus reducidas dimensiones.
Pintura: es el lenguaje artístico que se desarrolla sobre diferentes superficies para crear una composición, ya sea figurativa o abstracta. Sus elementos plásticos son: la forma, la línea, el color, el espacio y la composición. Los materiales empleados pueden ser: el óleo, el temple, el acrílico, la témpera, la acuarela, el esmalte sintético o el pastel, que junto con los soportes y con los instrumentos utilizados, determinan diversas técnicas (Ej: óleo sobre tela, o acuarela sobre papel).
Escultura: es el arte de crear formas figurativas o abstractas en tridimensión. Pueden realizarse esculturas con casi todos los materiales orgánicos o inorgánicos. Los métodos que se emplean son: la talla (en madera o en piedra), el modelado (en arcilla o en barro) y el vaciado (en metal).
Grabado: a diferencia de la pintura o del dibujo, el grabado es una técnica en la que el artista no coloca el material sobre el soporte directamente, sino que se vale de un material intermedio llamado matriz para realizar producciones en serie. Comprende tres procedimientos fundamentales según los materiales utilizados para grabar la matriz. Esos métodos son: tallado en relieve (sobre madera o linóleo), en hueco (metal en el que actúa un ácido que produce surcos) y en plano (matriz de piedra).
Arquitectura: es una disciplina cuyo objetivo es la construcción de edificios perdurables. Sigue determinadas reglas, con el objeto de crear obras adecuadas a su propósito, agradables a la vista y capaces de provocar un placer estético. Es decir, la arquitectura no depende sólo del gusto o de los cánones estéticos, sino que considera una serie de cuestiones prácticas, estrechamente relacionadas entre sí –como la elección de los materiales y su puesta en obra, la disposición estructural de las cargas y el precepto fundamental del uso al que está destinado el edificio-.
Consignas:
1. ¿Qué diferencia al teatro de otras expresiones artísticas?
2. Señalar las diferencias entre las artes plásticas y la música, la literatura, el teatro y la danza.
3. ¿Qué aspectos fundamentales caracterizan a las artes que trabajan el espacio tridimensional?
4. Elegir un artista de cualquiera de los lenguajes artísticos descriptos en el texto (cine, teatro, música, dibujo, etc) y hacer:
a) Una breve descripción de su vida
b) Una breve descripción de su obra (nombrar sus obras más importantes y los datos que de ellas consideren más relevantes, como dónde se interpretaron o editaron o expusieron, cómo se inspiró el artista a la hora de crearlas, etc)
c) Fundamentar la elección.
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