TERCER AÑO / A / CULTURAS Y ESTÉTICAS CONTEMPORANEAS

CULTURAS Y ESTÉTICAS CONTEMPORÁNEAS – 3º A
PROF. MARÍA FERNANDA CÓRDOBA


Dado que hemos perdido un par de clases antes de este receso forzado, y a causa del mismo también perderemos algunas más, esta será la alternativa que usaremos para trabajar.

Antes que nada les recuerdo que el 90 por ciento de los alumnos NO ENTREGÓ el escrito (reflexión, síntesis, descripción, lo que ustedes quieran) sobre la película “Huellas en el viento”. El mismo lleva una nota de concepto que entra en la nota del 2º trimestre.

Material para realizar el T.P. Nº 6: Concepto de Arte (dado en la última clase que tuvimos, por favor, los que faltaron comuníquense con sus compañeros para que les pasen las preguntas). Este trabajo deberá entregarse la primera clase después de las vacaciones (jueves 6 de agosto).



Hacia una definición de ARTE
En la actualidad, se considera que el arte es un lenguaje, un sistema de comunicación elaborado por seres humanos con el objeto de transmitir ideas y sentimientos. Pero, a diferencia de otros lenguajes, el arte está condicionado por el deseo estético, es decir, por el deseo de alcanzar la belleza.
El ideal de belleza se modifica en las distintas épocas y culturas. Por este motivo, las artes cambian con el tiempo –de acuerdo con el acontecer de los hechos políticos, económicos y sociales- y según el lugar y la cultura en que se desarrollan. Sin embargo, en la actualidad, el fenómeno de la globalización (en términos económicos, políticos, tecnológicos y culturales) y el surgimiento de la sociedad de masas han homologado las artes y, en consecuencia, pueden encontrarse poéticas similares en sitios distantes.
Las categorías estéticas, que definen el gusto de una época, también se han modificado con el tiempo. Esto explica por qué muchas de las obras que hoy resultan agradables y que son consideradas objetos de arte no fueron aceptadas como artísticas por sus contemporáneos. Por ejemplo, las obras del escritor francés Émile Zola (1840 – 1902) fueron rechazadas por el público; no obstante, en la actualidad, Zola es considerado uno de los maestros de la literatura del siglo XIX.

El circuito de producción
En el proceso de producción de una obra artística, intervienen varios elementos. En primer lugar, el artista, quien se expresa mediante su obra; en segundo lugar, la obra en sí misma, que es el producto; y por último, la audiencia, el público, que es quien completa la obra en el momento de apreciarla y de interpretarla.
A partir de lo anterior, se puede decir que existen dos etapas clave en la elaboración de una obra: la ejecución que realiza el creador y la percepción por parte del público. Este circuito se produce en un contexto geográfico, social y político determinado que influye tanto en el creador como en el público. Por ejemplo, durante la Edad Media (siglos V al XV) se elaboraron los poemas épicos o cantares de gesta que, basados en acontecimientos históricos, narraban la historia de los héroes nacionales, quienes representaban los ideales del pueblo. Esos poemas épicos o cantares de gesta servían no sólo como entretenimiento sino, además, como forma de establecer modelos que la comunidad intentaba alcanzar, de modo que también contribuían a afirmar la identidad cultural.
En el arte, se desarrolla un proceso en el que participan lo sensorial, lo emocional, lo afectivo y lo intelectual, ya que, en todo quehacer artístico, se comprometen la percepción, el pensamiento, y la acción corporal. Entre todos estos factores, desempeña un papel muy importante la imaginación creadora.

El artista y el espectador
Para el artista ruso Wassily Kandinsky (1866 – 1944), la verdadera obra de arte nace del artista en forma misteriosa, casi mística. Cuando el artista se coloca frente a una tela, un papel o un bloque de mármol, se inicia un diálogo muy especial: de un lado el soporte que espera una respuesta, un acto, y del otro, está el artista que responderá elaborando una obra.
El artista procede según una necesidad interior, que no se agota en una sola creación, de allí que él siga produciendo a lo largo de su vida.
Separada del artista, la obra adquiere vida propia, una independencia con respecto al ser que le había dado vida. La forma que contiene es la idea, que se libera del creador que la produjo y va a ser completada por el espectador.
Las posibilidades de lectura de una obra son muchas, y la comprensión e interpretación que se le otorgan están influidas por las ideas en una sociedad, en un tiempo determinado y, también, por las propias creencias de quien percibe esa obra.
Para el profesor de Filosofía Hans Gadamer (nacido en Alemania en 1900) la percepción de la obra de arte es un encuentro del espectador consigo mismo. Argumenta, además, que existe una “familiaridad enigmática” con las obras de arte del pasado, porque existe cierta conexión, aunque las obras sean de épocas históricas lejanas al espectador. Esto se debe a que el arte se encuentra en un presente intemporal y permanece en su decir. El lenguaje del arte vuelve presente su propia actualidad, por eso no se agotan sus significados ni sus sentidos. A diferencia de las leyes de la Antigua Atenas o de los códigos militares romanos –que son documentos históricos cuyo sentido está agotado para la actualidad-, una obra de arte siempre resulta una experiencia novedosa.

Les recuerdo que una parte de este trabajo debe hacerse a partir de lo que ustedes investiguen (sea de internet, de un libro o una enciclopedia) y además de una opinión de cualquier persona –vecino, amigo, pariente, etc-.

SUGERENCIA: se pueden enriquecer los conceptos viendo películas sobre vidas de artistas, por ejemplo:
-Pollock (vida del artista norteamericano Jackson Pollock)
-Basquiat (vida del artista jamaiquino Jean Michel Basquiat)
-Frida (vida de la artista mexicana Frida Kahlo)
-Amadeus (Vida de W. A. Mozart)



CULTURAS Y ESTÉTICAS CONTEMPORÁNEAS – 3º A
PROF. MARÍA FERNANDA CÓRDOBA


TRABAJO PRÁCTICO Nº 7: LENGUAJES ARTÍSTICOS
(Grupal: máximo tres integrantes)

Las expresiones artísticas –como por ejemplo la arquitectura, la pintura, el grabado, la música, la escultura, el dibujo, la fotografía, el cine, el teatro , la literatura y la danza- pueden caracterizarse como lenguajes artísticos, en tanto transmiten significados y fenómenos comunicativos. Estos lenguajes, que se valen de códigos renovados constantemente, constituyen un sistema específico distinto del lenguaje verbal cotidiano. Cada uno tiene procedimientos, técnicas, métodos y materiales que le son propios y que le otorgan diferentes formas de expresión.

Literatura: es un arte cuyas manifestaciones son creaciones artísticas –denominadas obras literarias- que se expresan mediante palabras, tanto en forma escrita como oral. El término literatura también se aplica al conjunto de obras escritas de un país, por ejemplo, literatura griega; de una época, como literatura medieval; de un estilo o movimiento, como literatura romántica.

Música: es una organización de sonidos durante un lapso determinado de tiempo. La música está constituida por relaciones entre sonidos cuyas combinaciones permiten la creación de un discurso musical. La música desempeña un papel importante en todas las sociedades y existe en una gran cantidad de estilos, característicos de diferentes regiones geográficas o de distintas épocas históricas.

Danza: es una forma de comunicación o de expresión caracterizada por movimientos corporales rítmicos, acompañados generalmente de música. La danza incluye un vocabulario preestablecido de movimientos, pero también, pueden utilizarse gestos simbólicos o el mimo.

Cine: es el arte de representar, sobre una pantalla, una sucesión de fotogramas inmóviles, que, a cierta velocidad, dan sensación de movimiento. Estos fotogramas se organizan según un discurso narrativo.

Teatro: es el arte de componer obras dramáticas –del griego drama: “acción”- y de representarlas. El teatro se diferencia de otras artes performativas por la pluralidad de signos que lo componen. Ellos son: lingüísticos (el texto y los diálogos), visuales (escenografía, vestuario, utilería, iluminación), cinéticos (movimientos y gestos de los actores), sonoros (voces, música, efectos). Estos signos nunca son comunicados directamente, sino mediante un conjunto de indicios “artificiales”. Son artificiales porque representan algo que no son en la realidad.

Fotografía: el principio de este arte se basa en el efecto que la luz produce sobre un soporte de material sensible a ella. Ese material –placa o película- contiene una emulsión particular de compuestos de plata que, al ser expuesta a la luz, sufre transformaciones químicas. La operación se realiza dentro de una cámara oscura en la que entra la luz a través de una lente. Una vez impresionado, el material sensible es sometido a operaciones de revelado y fijado para obtener un negativo que, luego, se positiva sobre papel.

Las artes plásticas
Los términos artes plásticas caracterizaron las bellas artes, en la cultura occidental, desde el Renacimiento (siglos XV y XVI) hasta principios del siglo XX. La denominación artes plásticas surgió en el siglo XVIII para designar el dibujo, la pintura, el grabado, la escultura y la arquitectura, disciplinas todas que se desarrollan en el espacio –a diferencia de la música, la literatura, el teatro y la danza, que se ejecutan en el tiempo-.

Dibujo: se asocia a la pintura como un medio para proyectar el diseño de una obra pictórica, pero también, como un medio independiente capaz de revelar el proceso creativo del artista. Su característica primordial es el trazo o línea y se diferencia de las demás técnicas artísticas por el soporte empleado, que puede ser cualquier superficie plana; por la técnica –lápiz, pluma o carbonilla-; por la relativa brevedad en el tiempo de ejecución y por sus reducidas dimensiones.

Pintura: es el lenguaje artístico que se desarrolla sobre diferentes superficies para crear una composición, ya sea figurativa o abstracta. Sus elementos plásticos son: la forma, la línea, el color, el espacio y la composición. Los materiales empleados pueden ser: el óleo, el temple, el acrílico, la témpera, la acuarela, el esmalte sintético o el pastel, que junto con los soportes y con los instrumentos utilizados, determinan diversas técnicas (Ej: óleo sobre tela, o acuarela sobre papel).

Escultura: es el arte de crear formas figurativas o abstractas en tridimensión. Pueden realizarse esculturas con casi todos los materiales orgánicos o inorgánicos. Los métodos que se emplean son: la talla (en madera o en piedra), el modelado (en arcilla o en barro) y el vaciado (en metal).

Grabado: a diferencia de la pintura o del dibujo, el grabado es una técnica en la que el artista no coloca el material sobre el soporte directamente, sino que se vale de un material intermedio llamado matriz para realizar producciones en serie. Comprende tres procedimientos fundamentales según los materiales utilizados para grabar la matriz. Esos métodos son: tallado en relieve (sobre madera o linóleo), en hueco (metal en el que actúa un ácido que produce surcos) y en plano (matriz de piedra).

Arquitectura: es una disciplina cuyo objetivo es la construcción de edificios perdurables. Sigue determinadas reglas, con el objeto de crear obras adecuadas a su propósito, agradables a la vista y capaces de provocar un placer estético. Es decir, la arquitectura no depende sólo del gusto o de los cánones estéticos, sino que considera una serie de cuestiones prácticas, estrechamente relacionadas entre sí –como la elección de los materiales y su puesta en obra, la disposición estructural de las cargas y el precepto fundamental del uso al que está destinado el edificio-.

Consignas:
1. ¿Qué diferencia al teatro de otras expresiones artísticas?
2. Señalar las diferencias entre las artes plásticas y la música, la literatura, el teatro y la danza.
3. ¿Qué aspectos fundamentales caracterizan a las artes que trabajan el espacio tridimensional?
4. Elegir un artista de cualquiera de los lenguajes artísticos descriptos en el texto (cine, teatro, música, dibujo, etc) y hacer:
a) Una breve descripción de su vida
b) Una breve descripción de su obra (nombrar sus obras más importantes y los datos que de ellas consideren más relevantes, como dónde se interpretaron o editaron o expusieron, cómo se inspiró el artista a la hora de crearlas, etc)
c) Fundamentar la elección.